Galería Tiana

Galería Tiana es un proyecto que llevo adelante en el hotel del mismo nombre sito en Humberto Primo 629 en el barrio de San Telmo, en Buenos Aires. Las muestras, generalmente grupales, buscan integrar la obra de artistas de distintas disciplinas, e intentan poner en diálogo distintos lenguajes de las artes visuales.

Curaduría | ¿Dónde guardamos los recuerdos?

¿Dónde guardamos los recuerdos? es una muestra en Galería Tiana que surgió del primer taller de Todo es propaganda de lo que creemos en 2020 y quedó suspendida al comienzo de la pandemia de Covid-19. Lo que sigue son las invitaciones a la muestra y el texto curatorial.

Quizás el arte sea el único lugar donde podamos, todavía, conectar libremente los puntos. Conectar ideas con imágenes, o con sensaciones antes que con palabras. Conectar el tiempo también, romper los órdenes de qué viene antes y qué después. Llegar a relaciones nada menos que absurdas, pero no por ser contrarias a un sentido común, sino inauguradoras de uno nuevo. La línea como abstracción más simple de esas conexiones, y a la vez como borde de una forma, donde empezamos a verla. La línea como recorte y también como tejido. O la textura que son estas letras, que en sucesiones siempre cambiantes intentan hablar de lo que no requiere palabras.
Esta muestra surge de conexiones semejantes. Las fotos en blanco y negro que son el material de Belén Espinosa para construir, coser, cortar, componer, y ofrecernos así el panorama de un tiempo que existe único y preciosamente en sus imágenes. Las telas e hilos saturados de colores que arman las figuras y los cuerpos que nos convida Mariana Szulman también tejen un tiempo diferente, una contemporaneidad en formas de hacer y vincularse con la propia experiencia. Las investigaciones de Mariela Beker sobre lo que llevamos dentro, la pregunta por dónde se alojan en la carne el sentido y la sensación, y cómo trabajamos la forma de eso que no deja de derramarse.
Cómo nos afecte eso es la pregunta que nos motiva a seguir haciendo y a compartir lo que solo significa cuando nos abrimos al encuentro.

Luz y Forma – Muestra en Galería Tiana

Inauguración: 13 de septiembre de 2019, 20:00 hs
Humberto Primo 629, San Telmo, Buenos Aires

La luz y la forma ya habitaban el mundo antes de que les diéramos nombre. En la yuxtaposición de los collages de Luciana Barroso, cargados de imágenes totémicas que moran en espacios imaginarios; Daniel Rotela, con sus retablos hiperclaros, que bañan la mirada con las luces del recuerdo y las vistas iridiscentes en los paisajes y rostros que Lucas Lorizio crea, emerge una pregunta sobre esa luz y esas formas.

La recepción de un hotel es un lugar sobre todo de paso. Pero no por eso deja de ser un lugar. Y, si pudiéramos borrarnos así a nosotros mismos de esta situación, si en lugar de verla como la muestra de tres artistas argentinos en un hotel del barrio porteño de San Telmo, que también lo es, si la sintiéramos como algo que está pasando más allá de nosotros, quizás entendamos algo.

Quisiéramos que esta muestra sea el punto de pasaje hacia otras formas de ver y concebir el espacio. Formas paradojales, contradictorias, incongruentes. Formas que nos saquen de la repetición incesante de lo mismo, de ese paseo frívolo en el que a veces se convierte el turismo, y nos acerquen un poco a otras formas de conocer y contemplar.

 

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ESENCIA Y AZAR

(INTER)FAZ

María Eugenia Petre

Las obras que María Eugenia Petre trae la muestra son parte de su serie Desnaturalización. Su interés original, antes de volcarse a la línea en la forma más sintética y personal, estuvo motivado por lo que quizás sean los vestigios más enigmáticos de la actividad humana sobre la Tierra, los monumentos megalíticos conocidos como dólmenes y los menhires.

Al partir de esas formas pétreas, la exploración de la autora traza los contornos siempre vibrantes de nuestras formas de lidiar con el entorno, de dejar nuestras marcas, de recordarnos a nosotros que aquí estuvimos. Ese es el recorrido de la desnaturalización. El acto creativo en sí mismo, en su repetición, produce algo siempre diferente y no deja de recordarnos que el pasado y el futuro son dimensiones que existen solo en la obra, en el hacer, en el presente continuo del estar haciendo.


The works María Eugenia Petre brings to the show come from her series Desnaturalización (“denaturalization”). Their original interest, before commiting to the line and shapes in their most synthetic and personal form, concentrated on what may well be the most enigmatic vestiges of human activity on Earth, the megalithic monuments known as dolmens and menhirs.

Starting with these petrous forms, the author’s exploration traces the always vibrating contours of the ways we deal with our environment, the marks we leave, the reminders that we have been here. That is the journey of denaturalization. The creative act in itself, in its repetition, always produces something different and never ceases to remind us that the past and the future are dimensions that only exist within the work, in the continuous present of doing.

SANTIAGO VITALE

La obra que Santiago Vitale presenta en (INTER)FAZ fue construida con material de descarte. En sus palabras, con chatarra electrónica encontrada en la vía pública, que originalmente tenía otro objetivo: generar y reproducir imágenes en movimiento. La intención de esta práctica se sostiene entonces en dos principios, visibilizar el consumo desmedido de equipos electrónicos que, a la vez, homogeneizan las formas de estar, ser y entender la belleza, y llamar la atención sobre el impacto ambiental que estos consumos tienen.

Con el excedente, el resto que produce su contemplación, estas piezas yuxtaponen elementos mucho más allá de su materialidad. No son solo circuitos rotos y piezas de electrónica que ya nunca harán aquello para lo que fueron diseñadas. Son una metáfora ensamblada de cómo las reglas impuestas para el consumo y el comercio de imágenes no tienen hoy otro destino que el desarmadero.


The works presented by Santiago Vitale at (INTER)FAZ were constructed with waste material. In his own words, with electronic junk found on the streets, which originally had another goal, that of generating and reproducing moving images. The intention of this practice is sustained on two principles: to turn the excessive consumption and usage of electronic equipment visible, which in turn homogenizes the ways we comprehend being and beauty, and drawing attention to the environmental impact that this consumption has.

With the excess, the remainder that their contemplation produces, these pieces are the juxtaposition of elements far beyond their materiality. They are not only broken circuits and pieces of electronics that will never again fulfill the purpose they were designed and produced for. They are an assembled metaphor of how the rules imposed on the consumption and commerce of images have today no other destiny than to be salvaged.

Santiago Agustín

Construir una poética de las imágenes fotográficas, hoy cuando todos cargamos dispositivos capaces de producirlas siempre con nosotros, es un ejercicio de repeticiones. ¿Hace la cámara acaso otra cosa que no sea repetir? Pero en la búsqueda de diferencias entre esas máquinas, en el rescate de aquellas que hace tiempo parecían haber quedado obsoletas, en el regreso a la película como soporte para la imagen, crece también lo que salva.

El cuerpo humano tiene en la obra de Santiago Agustín un lugar central, pero la selección que presenta en (INTER)FAZ hay el comienzo de algo nuevo. La exploración de las dobles exposiciones, la superposición de imágenes que se da efectivamente solo en el interior oscuro de la cámara de fotos, proponen una apreciación distinta de la causalidad y del tiempo, una ampliación del campo de lo posible y del reino de lo imaginario.


Constructing a poetry of photographic images, today when we all carry devices capable of producing them always on ourselves, is an exercise in repetition. Does the camera do anything other than repeating? But in the search for differences between these machines, in rescuing those that had seemed obsolete, in returning to film as a support for the image, also grows the saving power.

The human body has a central place in Santiago Agustín’s previous work, but in the selection he presented in (INTER)FAZ there is the start of something new. The exploration of double exposures, the superposition of images that effectively happens in the dark interior of the camera, that proposes a distinct appreciation of causality and time, the extension of the domain of the possible and the reign of the imaginary.